Repesenta trés personajes y un cordero: Santa Ana, la Virgen Maria sentada en las piernas de su madre, el Niño Jesus tiene cogido por las orejas un cordero. La escena se desarrolla en un paisaje rocoso. Los personajes estan situados al borde de un precipicio, detràs de ellos hay un paisaje con montañas al fondo.
El pintor se inspiró para la iconografia de la "Leyenda Dorada" de Jacobo de Voràgine (obra del siglo XIII), pues la Biblia no menciona a Santa Ana, solo hablan de ella los Evangelios Apócrifos de Santiago y Mateo, escritos entre los siglos II y VI.
En el año 550 se construyó una iglesia en Constantinópla en honor de Santa Ana, su culto alcanzó su apogeo en la Edad Media, se esculpieron numerosas estatuas de Santa Ana, Maria y el Niño Jesus, las llamaron "Trinidad Mariana".
Desde el "Cuatrocento" la figura de Santa Ana, la Virgen y el Niño se inscribe en una pintura codificada, el tema fue tratado por: Masolino, Masàccio, Benozzo Gozzoli, Bernadino Luini, Cesare da Sesto, Bernadino Lanino, Jan Sanders Van Hemessen, Raphäel, Pontormo.
La historia del cuadro remonta al año 1499, el rey de Francia Louis XII encargó un cuadro de Santa Ana a Leonardo, (era la patrona de las madres) su esposa Ana de Bretaña acababa de dar a luz a su ùnica hija Claude.
Segùn Giorgio Vasari, el primer carton fue realizado un año màs tarde, fue expuesto en Florencia, tuvo mucho éxito durante dos dias lo visitaron muchisimas personas, la ver el trabajo de Leonardo quedaron maravillados de la proeza del artista, pues nunca habian visto nada parecido, el carton se encuentra en "La National Galerie" de Londres,
El carton està considerado como una de las primeras composiciones que el pintor hizo del cuadro.
En los cartones preparatorios, aparece San Juan Bautista, pero en la composición final fue remplazado por el cordero.
La sonrisa de Santa Ana nos recuerda a la sonrisa de la Gioconda, la cabeza inclinada hacia la derecha, mira a su hija.
Leonardo la pintó muy joven, su papel de madre està indicado por el velo que cubre su cabeza, era un atributo de las mujeres mayores, tambien su posición, domina al grupo, parece el personaje principal.
Maria es la figura que dà dinamismo a la escena, està en movimiento, su cara capta la luz, està pintada sin cejas segùn la moda milanesa de la época, mira como el Niño juega con el cordero con cierta melancolia, pues el cordero representa la Pasión, la mano de Maria se funde en el vientre de su hijo es como si sus dedos tocaran el cordon umbilical que la unia a su hijo, como madre quiere evitar el sufrimiento de su hijo, por eso intenta atraerlo hacia ella.
La composición es piramidal, es el comiezo del manierismo, las tùnicas ocultan los cuerpos, solo deja aparecer las caras y los pies de las mujeres.
El cuadro inspiró grandes artistas del renacimiento: Rafael, y a los pintores venezianos como Tiziano, Tintoretto, Correggio y Pontormo, los escultores Andrea Sansovino y Francesco da Sangallo.
Si se traza una diagonal, la linea pasa por las miradas, otras diagonales atraviesan el cuadro (brazos, piernas).
La frontalidad de las caras ha desaparecido.
El dibujo està muy detallado, la capa depintura es muy fina, las pinceladas son ligeras.
El Niño con sus cabellos rizados (lo mismo que el cordero) no tiene ninguna aureola, tampoco està bendiciendo. Jesùs es el cordero de Dios, su sacrificio lavarà el pecado de los hombres.
En el primer plano hay un precipicio, (el pie de Santa Ana està inclinado), es una frontera que separa al grupo (divino) del espectador (humano), las rocas marones hacen eco con el paisaje del fondo azules.
El paisaje del fondo, se ven las montañas y caminos construidos segun la perspectiva atmosférica, Para dar la impresión profundidad al cuadro, Leonardo utiliza la técnica del sfumato (inventada por él)
Fue una técnica que se utilizó mucho durante el Renacimiento para dar mayor sensación de profundidad. La técnica consistente en difuminar los contornos, prescindir de la línea negra que contiene las figuras y lograr una atmósfera vaporosa y sugerente. El sfumato es gradual, los objetos se ven más borrosos cuanto mayor es la distancia entre ellos y el observador, la paleta progresivamente se va volviendo màs clara, hasta casi desaparecer a lo lejos.
En el primer plano se encuentra los colores càlidos de los vestidos de Santa Ana y la Virgen, el color marron de la tierra y las rocas que rodea a los personajes, los colores del fondo son frios: el cielo, la montaña, el agua, el manto de la Virgen, a Leonardo le gustaba recrear los contrastes.
Sigmund Freud hizo un examen psicoanalítico de la obra de Leonardo en su ensayo "Un recuerdo infantil de Leonardo da Vinci", segun Freud el manto de la virgen tiene la forma de un buitre. Freud vio la
manifestación de una fantasía infantil de un "homosexual pasivo". Leonardo escribió en el Codex Atlanticus, que fue atacado, siendo un niño en la cuna, por la cola de un buitre:
"Parece que yo estaba destinado a estar siempre profundamente preocupado con los buitres, pues uno de mis primeros recuerdos es que estando yo en la cuna vino un buitre sobre mi y abrio mi boca con su cola, y golpeo muchas veces mis labios con su cola". El buitre era en realidad un "milano".
Durante los ultimos 20 años Leonardo trabajó de mil maneras la composición del cuadro, estudió todos los detalles, los colores,
los movimientos no dejó nada al azar, fue la muerte del artista (en 1519) la que puso fin a su trabajo, para el pintor las partes secundarias aun no estaban terminadas, como los paisajes del fondo.
Leonardo pintaba en esta época la Gioconda, por ello existe un gran parecido entre Santa Ana y la Mona Lisa
Sigmund Freud explicó como la Virgen María y Santa Ana estan representadas como si tuvieran la misma edad, esto podia ser porque Leonardo era hijo ilegítimo, fue criado por su madre biológica antes de ser adoptado por la esposa de su padre. Leonardo tenía dos madres, Santa Ana y Maria las representan.
Freud quiso desmostrar la homosexualidad del genio renacentista en su ensayo "Un recuerdo infantil de Leonardo da Vinci", escrito en 1910. En este texto, Freud observa cómo el manto de la Virgen dibuja la figura de un buitre, para él es un recuerdo del pintor cuando era niño. En el Codex Atlanticus, Leonardo había subrayado su conexión con este pàjaro, pues uno de sus primeros recuerdos de infancia consiste en haber sido atacado en su cuna por un buitre que le golpeaba los labios con la cola, en realidad el pintor no se refirió a un buitre sino a un milano.
El cuadro perteneció à Françoi I, en 1519, màs tarde en una fecha desconocida salió de las colecciones reales, fue adquerido por el Cardenal Richelieu en 1629 en Casale Monferrato, posteriormente se lo regaló al rey Louis XIII, en 1801 entró a formar parte de las colecciones del Museo del Louvre
El 18 diciembre 2008, descolgaron el cuadro, uno de los conservadores del Museo del Louvre descubrió trés dibujos detràs del cuadro que, representaban: una cabeza de caballo, un cràneo y un niño, posiblemente fueron pintados por Leonardo da Vinci.
Hace 17 años el Museo del Louvre quiso restaurar el cuadro, pero abandonó la idea pues se temía que los disolventes empleados para retirar los barnices afectaran al "sfumato",
Una vez terminada la restauración, el Museo del Louvre ha organizado una exposición, (del 29 de marzo al 25 de junio 2012) que reúne cerca de 130 obras, bocetos de Leonardo, cuadros de sus aprendices, documentos y piezas del taller de Leonardo, la exposición trata del proceso creativo del artista en esta obra y sus imitadores. En dicha muestra se encuentra la réplica de la Gioconda (Mona Lisa), conservada en el Museo del Prado desde 1666, ha sido estudiada y restaurada antes de partir para la exposición de París, el estudio técnico y restauración, revelo una calidad excepcional.
Un cuaderno lestà lleno de apuntes matemáticos, se puede ver cómo a lo largo de los años Leonardo estudió minuciosamente la refracción de la luz en los objetos opacos. El cuaderno descifra la técnica que hizo famoso a Leonardo.
Para Leonardo da Vinci, el ojo humano es "la ventana del alma", no era un organo para evolucionar en el Universo, era el medio para comprenderlo.
Para él la pintura era un "Arte y una Ciencia".
El pintor se inspiró para la iconografia de la "Leyenda Dorada" de Jacobo de Voràgine (obra del siglo XIII), pues la Biblia no menciona a Santa Ana, solo hablan de ella los Evangelios Apócrifos de Santiago y Mateo, escritos entre los siglos II y VI.
En el año 550 se construyó una iglesia en Constantinópla en honor de Santa Ana, su culto alcanzó su apogeo en la Edad Media, se esculpieron numerosas estatuas de Santa Ana, Maria y el Niño Jesus, las llamaron "Trinidad Mariana".
Desde el "Cuatrocento" la figura de Santa Ana, la Virgen y el Niño se inscribe en una pintura codificada, el tema fue tratado por: Masolino, Masàccio, Benozzo Gozzoli, Bernadino Luini, Cesare da Sesto, Bernadino Lanino, Jan Sanders Van Hemessen, Raphäel, Pontormo.
La historia del cuadro remonta al año 1499, el rey de Francia Louis XII encargó un cuadro de Santa Ana a Leonardo, (era la patrona de las madres) su esposa Ana de Bretaña acababa de dar a luz a su ùnica hija Claude.
Segùn Giorgio Vasari, el primer carton fue realizado un año màs tarde, fue expuesto en Florencia, tuvo mucho éxito durante dos dias lo visitaron muchisimas personas, la ver el trabajo de Leonardo quedaron maravillados de la proeza del artista, pues nunca habian visto nada parecido, el carton se encuentra en "La National Galerie" de Londres,
El carton està considerado como una de las primeras composiciones que el pintor hizo del cuadro.
En los cartones preparatorios, aparece San Juan Bautista, pero en la composición final fue remplazado por el cordero.
La sonrisa de Santa Ana nos recuerda a la sonrisa de la Gioconda, la cabeza inclinada hacia la derecha, mira a su hija.
Leonardo la pintó muy joven, su papel de madre està indicado por el velo que cubre su cabeza, era un atributo de las mujeres mayores, tambien su posición, domina al grupo, parece el personaje principal.
Maria es la figura que dà dinamismo a la escena, està en movimiento, su cara capta la luz, està pintada sin cejas segùn la moda milanesa de la época, mira como el Niño juega con el cordero con cierta melancolia, pues el cordero representa la Pasión, la mano de Maria se funde en el vientre de su hijo es como si sus dedos tocaran el cordon umbilical que la unia a su hijo, como madre quiere evitar el sufrimiento de su hijo, por eso intenta atraerlo hacia ella.
La composición es piramidal, es el comiezo del manierismo, las tùnicas ocultan los cuerpos, solo deja aparecer las caras y los pies de las mujeres.
El cuadro inspiró grandes artistas del renacimiento: Rafael, y a los pintores venezianos como Tiziano, Tintoretto, Correggio y Pontormo, los escultores Andrea Sansovino y Francesco da Sangallo.
Si se traza una diagonal, la linea pasa por las miradas, otras diagonales atraviesan el cuadro (brazos, piernas).
La frontalidad de las caras ha desaparecido.
El dibujo està muy detallado, la capa depintura es muy fina, las pinceladas son ligeras.
El Niño con sus cabellos rizados (lo mismo que el cordero) no tiene ninguna aureola, tampoco està bendiciendo. Jesùs es el cordero de Dios, su sacrificio lavarà el pecado de los hombres.
En el primer plano hay un precipicio, (el pie de Santa Ana està inclinado), es una frontera que separa al grupo (divino) del espectador (humano), las rocas marones hacen eco con el paisaje del fondo azules.
El paisaje del fondo, se ven las montañas y caminos construidos segun la perspectiva atmosférica, Para dar la impresión profundidad al cuadro, Leonardo utiliza la técnica del sfumato (inventada por él)
Fue una técnica que se utilizó mucho durante el Renacimiento para dar mayor sensación de profundidad. La técnica consistente en difuminar los contornos, prescindir de la línea negra que contiene las figuras y lograr una atmósfera vaporosa y sugerente. El sfumato es gradual, los objetos se ven más borrosos cuanto mayor es la distancia entre ellos y el observador, la paleta progresivamente se va volviendo màs clara, hasta casi desaparecer a lo lejos.
En el primer plano se encuentra los colores càlidos de los vestidos de Santa Ana y la Virgen, el color marron de la tierra y las rocas que rodea a los personajes, los colores del fondo son frios: el cielo, la montaña, el agua, el manto de la Virgen, a Leonardo le gustaba recrear los contrastes.
Sigmund Freud hizo un examen psicoanalítico de la obra de Leonardo en su ensayo "Un recuerdo infantil de Leonardo da Vinci", segun Freud el manto de la virgen tiene la forma de un buitre. Freud vio la
manifestación de una fantasía infantil de un "homosexual pasivo". Leonardo escribió en el Codex Atlanticus, que fue atacado, siendo un niño en la cuna, por la cola de un buitre:
"Parece que yo estaba destinado a estar siempre profundamente preocupado con los buitres, pues uno de mis primeros recuerdos es que estando yo en la cuna vino un buitre sobre mi y abrio mi boca con su cola, y golpeo muchas veces mis labios con su cola". El buitre era en realidad un "milano".
Durante los ultimos 20 años Leonardo trabajó de mil maneras la composición del cuadro, estudió todos los detalles, los colores,
los movimientos no dejó nada al azar, fue la muerte del artista (en 1519) la que puso fin a su trabajo, para el pintor las partes secundarias aun no estaban terminadas, como los paisajes del fondo.
Leonardo pintaba en esta época la Gioconda, por ello existe un gran parecido entre Santa Ana y la Mona Lisa
Sigmund Freud explicó como la Virgen María y Santa Ana estan representadas como si tuvieran la misma edad, esto podia ser porque Leonardo era hijo ilegítimo, fue criado por su madre biológica antes de ser adoptado por la esposa de su padre. Leonardo tenía dos madres, Santa Ana y Maria las representan.
Freud quiso desmostrar la homosexualidad del genio renacentista en su ensayo "Un recuerdo infantil de Leonardo da Vinci", escrito en 1910. En este texto, Freud observa cómo el manto de la Virgen dibuja la figura de un buitre, para él es un recuerdo del pintor cuando era niño. En el Codex Atlanticus, Leonardo había subrayado su conexión con este pàjaro, pues uno de sus primeros recuerdos de infancia consiste en haber sido atacado en su cuna por un buitre que le golpeaba los labios con la cola, en realidad el pintor no se refirió a un buitre sino a un milano.
El cuadro perteneció à Françoi I, en 1519, màs tarde en una fecha desconocida salió de las colecciones reales, fue adquerido por el Cardenal Richelieu en 1629 en Casale Monferrato, posteriormente se lo regaló al rey Louis XIII, en 1801 entró a formar parte de las colecciones del Museo del Louvre
El 18 diciembre 2008, descolgaron el cuadro, uno de los conservadores del Museo del Louvre descubrió trés dibujos detràs del cuadro que, representaban: una cabeza de caballo, un cràneo y un niño, posiblemente fueron pintados por Leonardo da Vinci.
Hace 17 años el Museo del Louvre quiso restaurar el cuadro, pero abandonó la idea pues se temía que los disolventes empleados para retirar los barnices afectaran al "sfumato",
Pero en 2009 se decidió la restauración del cuadro, esta comenzó un año màs tarde. Para ello se designó un comité científico internacional de 20 miembros, que establecieron las pautas de los trabajos.
Pero en octubre saltó la polémica: la revista especializada "Journal des Arts" alertaba de los riesgos que podia sufrir la pintura con el tipo de intervención que escogieron.
Algunos expertos no estuvieron de acuerdo con la restauración segùn ellos amenazaba con borrar de los rostros de la Virgen y el Niño el "sfumato" y proporcionaría a la obra unos brillos que nunca tuvo. Consideraron la intervención era demasiado agresiva.
El Louvre argumentó que los trabajos eran necesarios y urgentes, pues se estaban borrando los rostros del Niño y de Santa Ana, así como detalles del vestido de la Virgen y del paisaje del fondo.
El responsable del Departamento de pintura del Museo del Louvre, Vincent Pomarade aseguró que la restauración era extremadamente prudente, no se acercaba en absoluto a la capa de pintura original, solo actuaba sobre el barniz.
Un cuaderno lestà lleno de apuntes matemáticos, se puede ver cómo a lo largo de los años Leonardo estudió minuciosamente la refracción de la luz en los objetos opacos. El cuaderno descifra la técnica que hizo famoso a Leonardo.
Para él la pintura era un "Arte y una Ciencia".
Fantástico post ilustrativo del cuadro y de la "mirada" de su autos que ytanto admiro. Leonardo fue un genio sin duda.
ResponderEliminarBss
Tú lo has dicho: es una obra magnífica, tal vez la mejor composición de Leonardo, donde se aprecia esa composición triangular o piramidal y perfectamente ordenada, con ese difuminado de los contornos que lo hacen perderse en la atmósfera del espacio, donde esa nieble configura a dar ese ambiente misterioso a las obras de Leonardo. Me gustó mucho el post. Besos.
ResponderEliminarYa echaba en falta estos fenomenales artículos sobre pintura tan interesantes y que tanto me gustan, ya lo sabes. Cuanto he disfrutado, aunque lo de Freud, no sé, no sé. Un fuerte abrazo amiga María.
ResponderEliminarUn análisis realmente exhaustivo de esta obra maravillosa de Da Vinci y todo acompañado de esas fantáticas fotografias aclarativas. Muy buen post, amiga.
ResponderEliminarUn saludo!!
Me gusta mucho este cuadro. Grandes detalle de esta magnifica obra.
ResponderEliminarSaludos
¿Por qué maravillarán tanto las obras de Leonardo? Yo soy la primera fascinada por él, porque a pesar del paso del tiempo sus obras siempre guardan misterios ocultos, investigaciones por realizar. Con ello sus lienzos cobran vida, parecen no morir nunca.
ResponderEliminarSaludos
La comenzó en 1503 y la acabó 20 años mas tarde, ¿ como lo hizo si murió en 1519 ?. Iker Jimenez hace un programa con esto
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